ANNNA BERZOVSKAYA. 1986, Yakhorma, zona de Moscú

     Berzovskaya es una de las más prometedoras artistas de Rusia. Como gran lectora de cuentos de hadas cuando era niña, refleja en su obra escenarios oníricos y evocadores de un pasado poblado de damas, caballeros, príncipes y princesas. Pero no toma solo su propia experiencia vital como inspiración, sino que utiliza también la cultura y la literatura rusa. De esta manera consigue unas pinturas llenas de simbolismo. Uno de los muchos ejemplos de esta afirmación es el uso recurrente de plasmar alfileres en sus pinturas, remontándose a la vieja superstición rusa que proclama que la utilización de viejos pasadores de seguridad evitará el mal.
   La propia Anna se refiere a su obra como “realismo poético”; no en vano consigue crear universos hermosos, pacíficos y llenos de serenidad y armonía.

CHILDE HASSAM (1859-1935). Boston (EEUU). Impresionismo

Frederick Childe Hassam es el impresionista americano más cercano a Monet por su riqueza de colorido y por la importancia que concede al estudio de la luz del sol, aunque en cierto momento, el grueso empaste de su pincelada le asemeja más a Bonnard o Vuillard. En 1886 viajó a París para estudiar arte en la Académie Julian. Regresó a Estados Unidos en 1889, residiendo en Nueva York.
  Formó parte del grupo de Los Diez (Ten American Painters), una asociación de pintores norteamericanos impresionistas. En su regreso a Nueva York, Hassam pintó edificios de la ciudad en un estilo impresionista francés. Quizás en su pintura, como en el arte de los Diez en general, haya una excesiva preocupación por lograr la belleza. Sus perspectivas y encuadres son más evidentes, tanto en los paisajes, como en las representaciones de la ciudad, que las de los Impresionistas, a los que temáticamente se encuentran muy cercanos.

                                Bowl of Goldfish (1912)

                 July Nigth (1898)

    Laurel on the ledges (1912)

   Entre sus obras más conocidas está la Flag series, treinta cuadros que comenzó a pintar en 1916 cuando se inspiró en el desfile de los voluntarios para la preparación de los Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial en la Quinta Avenida. Fue realizada al final de su vida. La más famosa pintura de la serie, The Avenue in the Rain (1917) representando banderas de Estados Unidos y sus reflejos en la lluvia es parte de la colección de la Casa Blanca y Barack Obama la situó en la Oficina Oval al comienzo de su presidencia.

JOHN SINGER SARGENT (Florencia,1856-Londres,1925). Realismo

   Pintor estadounidense, aunque nacido en Florencia, ya que su adinerada familia vivía por aquel entonces en Europa. Se formó durante un corto espacio de tiempo en la Academia de Bellas Artes de Florencia y después, durante unos años, en París. Admirador acérrimo de Velázquez, permaneció durante un mes en Madrid dedicado exclusivamente al estudio de sus obras, de las que realizó 10 copias en el Prado. Frans Hals, maestro del retrato perteneciente a la escuela barroca holandesa, sería otra de sus fuentes de inspiración.
   La obra de Singer Sargent se centra principalmente en los retratos de la alta sociedad internacional de fin del siglo XIX, que llevaba una especie de nomadismo que les hacía viajar incansablemente por lugares como Venecia, París o Londres; por eso su trabajo se documenta en diversas partes del mundo.
   Poseía una evidente habilidad técnica, tanto con el pincel como con el dibujo, que causó una admiración que no tardaría en tornarse en crítica de ciertos sectores, que le acusaban de superficialidad. En concreto, fueron bastante duros con él un grupo de pintores de Filadelfia (los Ocho) que sentían desprecio por la teoría del “arte por el arte” y renegaban de la labor de Sargent con argumentos tales como que “acabaría convirtiéndolo todo en satén”. Pissarro fue un poco más benévolo, pero aún así, lo tildó de ser simplemente un “buen intérprete”. Quizás no le perdonaban su interpretación personal del Realismo, con brillantes reminiscencias de grandes maestros como Velázquez o Van Eyck
   Es cierto que sus retratos se enmarcan dentro de un estilo clasicista, pero también fue un paisajista e impresionista ocasional, librándose en sus últimos años de las tiranías formales del retrato y dedicándose a la pintura mural y al aire libre.

                                “A street in Venice”. Óleo sobre lienzo. 45’72x61cm. Realizado en una de sus visitas a Venecia

           “Carnation, Lily, Lily, Rose” (1885/6). Óleos sobre lienzo. 174x153’7cm. La inspiración para este cuadro la encontró al ver linternas chinas colgadas entre árboles y lirios alrededor. 

  “Cashmere” (1908) Óleo sobre lienzo. 71’1x109cm. La modelo utilizada era la sobrina del pintor, Reim Ormond, que aparece en diversas poses, ataviada con un exótico chal de cachemira.

PAREJA A CABALLO (1906). WASSILY KANDINSKY. Puntillismo/Divisionismo. Óleo sobre lienzo 56 x 50’0 cm

Kandinsky nació en Moscú en 1866 y murió en Neully-sur-Seine en 1944. Precursor de la abstracción en la pintura y teórico del arte, se considera que con él comienza la abstracción lírica (tendencia de la pintura abstracta donde el pintor rechaza pintar la realidad de forma objetiva. Predomina el color sobre la forma)
   Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo, el fauvismo (movimiento pictórico de principios del s XX caracterizado por el empleo provocativo del color) y el JUGENDSTIL alemán (“estilo joven”, que designa la variante del Art Nouveau que surgió en Alemania durante la última década del siglo XIX). Kandinsky fue descubriendo, poco a poco, que la representación de los objetos era secundaria e incluso perjudicial, así que se centró en la riqueza cromática y la representación formal.

   “Pareja a caballo” está basado en un cuento ruso. Representa a un hombre y una mujer en actitud tierna a lomos de un caballo. Al fondo y al otro lado del río, una ciudad rusa de edificios luminosos.
Este trabajo demuestra la influencia del puntillismo (estilo de pintura que consiste en hacer dibujos mediante puntos. La división de los tonos, mirados a cierta distancia, crean en la retina las combinaciones deseadas).

JOAQUÍN SOROLLA. Valencia, 1863- Cercedilla (Madrid), 1923

  El gran Sorolla comenzó su andadura artística formándose en Valencia, su ciudad natal. Algunos viajes a Madrid le permitieron empaparse con las obras del Museo del Prado, principalmente con trabajos de Velázquez, Ribera y El Greco, de los que realizó copias. Consigue una beca para estudiar en la Academia de Bellas Artes en Roma. Allí permanece durante cinco años y realiza principalmente trabajos de temática histórica que, aunque están realizados con pericia, no sobresalen de manera especial.
   Sería su viaje a París en 1894 y su contacto con los impresionistas lo que diera como resultado la inconfundible marca de Sorolla. Comienza a pintar al aire libre y a captar la luz y el color mediterráneos. El maravilloso uso que hace de los blancos le da a su obra una luminosidad inigualable. Cualquier espectador que pueda contemplar en vivo una de estas pinturas tiene la sensación de que le envuelve un universo de luz cálida. El paisaje costero levantino es su preferido, siempre con figuras humanas en los escenarios. Estas imágenes cotidianas no resultan en absoluto anodinas por su normalidad, ya que el uso que hace Sorolla de la iluminación y los colores las convierte en un espacio de enorme vitalidad.

                               Cosiendo la vela (1896)

Paseos a la orilla del mar (1909)

    Dentro de la extensa carrera artística del pintor también se encuentran numerosos retratos de personalidades españolas y obras de evidente denuncia social.

                                Retrato de Benito Pérez Galdós (1894)

                                Y aún dicen que el pescado es caro (1894)

GUILLERMO MUÑOZ VERA. Concepción (Chile). 1966

Aunque chileno, Muñoz Vera lleva más de treinta años afincado en España; por lo que es perceptivo decir que este artista es uno de los máximos exponentes del Realismo español. Su interpretación de la realidad es tan fiel que algunas de sus pinturas pueden calificarse de hiperrealistas. No en vano suele utilizar la fotografía como apoyo documental.
Tiene preferencia por el paisaje, naturalezas muertas y retratos. Sea cual sea la temática, el resultado de todos los trabajos ofrece una visión nítida, con unas luces tan perfectamente utilizadas que en un primer golpe de vista, el espectador se plantea la duda de si está contemplando una pintura o una fotografía.
   Guillermo Muñoz Vera es fundador de la Escuela de Chinchon, ejerciendo de mecenas y maestro de jóvenes artistas, principalmente latinoamericanos, que llegan becados a trabajar y conocer las corrientes europeas.

SEPULTURA DE JULIO VERNE, hasta el infinito y más allá

 Julio Verne nace el 3 de Febrero de 1828 en la localidad francesa de Nantes y en el seno de una familia burguesa. Tuvo una juventud difícil por culpa de un padre intransigente que coartó su gran sueño de ser marino para que heredara su despacho de abogados, pero que no logró matar una imaginación desbordante que  el joven volcó, durante toda su vida, en auténticas joyas literarias. El público juvenil quizás sea el que más las ha disfrutado, pero sus libros no iban específicamente dirigidos hacia él, sino para lectores adultos.
   Aunque aún hoy se sigue hablando con pasión de su condición de “Iluminado”, Verne negó en vida poseer ningunas dotes proféticas. Según sus propias palabras “Todo es simple coincidencia. Yo no he inventado nada”. Lo cierto es que sus obras eran de una erudición muy notable y por tanto, estaban basadas en un estudio exhaustivo de la época que le tocó vivir y de los inventos que aparecían en aquel tiempo y en el pasado. Si se obvia esto, no es extraño que se le conceda la consideración de “Iniciado” cuando en el siglo XIX adelantó, en sus relatos, viajes a la luna, navegación subpolar, auge de los Estados Unidos, nazismo, etc. Mientras no se demuestre lo contrario, yo me quedo con su palabra.

   Verne muere en Amiens, al norte de París, el 24 de marzo de 1905. La escultura que cubre su sepultura fue instalada dos años después. El autor era el escultor y amigo íntimo del escritor, ALBERT DOMINIQUE ROZE (1861-1952). Nacido en Amiens, dejó un número considerable de obras en los espacios públicos de su ciudad natal,
   Se trata de una tumba de piedra y mármol, a la que se le dio el nombre de “Hacia la inmortalidad y la eterna juventud”; aunque esta frase no figura en el sepulcro, queda completamente explícita nada más contemplarlo. Un Verne fuerte y lleno de vida emerge de la tumba, con el brazo elevado hacia el cielo, el sudario desprendiéndose de su cuerpo y empujando la lápida pentagonal que lo tenía prisionero en la tierra con la fuerza de su renacimiento. Al lado de su nombre, una palmera, símbolo de la inmortalidad.
   Esta bellísima tumba sufrió años y años de abandono, hasta que las autoridades de Amiens deciden restaurarla en 2012, quedando inaugurada su remodelación en febrero de 2014.

EL PANTEÓN. 118-125 dc. APOLODORO DE DAMASCO. Roma

  El Panteón de Agripa o Panteón de Roma es un templo de planta circular erigido por Adriano (76-138dc) completamente construido sobre las ruinas del templo erigido en el 27 ac por Agripa (importante general y político romano, colaborador y amigo íntimo del emperador César Autusto) dedicado a los dioses y que fue destruido en un incendio en el año 80 . La palabra panteón, de origen griego significa “templo de todos los dioses”. Adriano, de origen hispano, era un profundo admirador de la cultura griega, además de muy celebrado poeta y arquitecto.

   Los romanos inventaron el hormigón, que permitía levantar grandes estructuras laminares que sostenían de una manera muy sólida cúpulas y bóvedas. El hormigón romano era un sistema constructivo económico, rápido y efectivo. El encofrado (molde de madera en que se vertía el hormigón) lo construían grupos reducidos de carpinteros expertos; el hormigón lo fabricaban y ponían en obra grupos grandes de trabajadores especializados.

   En el pórtico del Panteón se emplearon fragmentos del templo anterior: Marcus Agrippa, Luciī fīlius, consul tertium, fēcit ,”Marco Agripa, hijo de Lucio, cónsul por tercera vez, (lo) hizo". Esto provocó que se datara el edificio erróneamente. No obstante, las marcas grabadas en los ladrillos por los fabricantes confirma que la fecha de construcción ha de situarse a comienzos del mandato del emperador Adriano. El pórtico es clásico y está delante de una enorme cella cilíndrica. Cuenta con 16 columnas monolíticas realizadas en granito egipcio y mármol blanco en las basas, que dividen el espacio en tres naves.
   Al interior se accedía a través de 8 escalones. La elevación de las zonas circundantes ha dejado al edificio ligeramente hundido.
   La altura a la que se encuentra la cúpula es exactamente la misma que el diámetro de la rotonda (43’30 m), dando la razón a los griegos en su teoría de que la belleza sensible estaba en el número.
   El pesado casquete de la cúpula descansa en el muro cilíndrico de la rotonda, de seis metros de espesor y que encierra todo un festoneado de bóvedas y de arcos de ladrillo que trasladan el peso del hormigón, de la masa muraria, a los puntos de mayor resistencia. En los casetones se amplían las molduras de la parte baja, para compensar la distorsión perspectiva cuando se ven desde el cielo.
Los arcos de descarga, embutidos en la estructura del muro, sirven de contrafuertes internos y distribuyen las cargas de la cúpula hacia los muros.

 El ladrillo se usaba arcos, bóvedas y cúpulas, pero en edificios importantes se revestía con estuco y, cuando el presupuesto lo permitía, con un elaborado aplacado de piedra y mármol, superpuesto sobre el ladrillo y sujeto mediante grapas y clavos de bronce.habitualmente en muros.

   La iluminación del espacio interior se logra a través de un óculo de 8 m, situado en el centro de la cúpula. Ello ayuda a reducir el peso del centro y evita el problema de construir ventanas en el perímetro. El efecto es sorprendente, pues da sensación de simplicidad y unidad.
   El pavimento está revestido de losas de mármol, pórfido y granito. El dibujo a base de cuadrados y círculos dispuestos en retícula constituye un complemento a los casetones del techo.
   Los nichos construidos dentro del espesor del muro estaban dedicados a los 5 planetas conocidos por los romanos y al sol y la luna, fuentes de luz.
   La forma del edificio es una representación directa de la cosmología romana. La cúpula representa la bóveda celeste iluminada por el sol en su centro.

   El Panteón fue el primer edificio clásico transformado en iglesia. en el año 608, el emperador bizantino Focas (dueño de Roma en aquel momento) se lo ofreció al Papa Bonifacio IV. De este modo, el antiguo templo dedicado “a todos los dioses de Roma” se convirtió en la iglesia de Santa Maria ad martyres, dedicada a los mártires de las persecuciones. Una enorme cantidad de huesos procedentes de todas las Catacumbas de Roma fue trasladada a la nueva iglesia.

  Hoy, además de seguir siendo una iglesia con culto, el monumento cumple la función de panteón real. Contiene las tumbas de los dos primeros reyes de la Italia unificada, y también la tumba del insigne pintor renacentista Rafael.

FERMÍN GARCÍA SEVILLA. 1961. Tomelloso (Ciudad Real). España

 García Sevilla es uno de los artistas más premiados de España. No en vano posee un talento prodigioso para la pintura. Aunque se declara autodidacta, Fermín experimenta procedimientos pictóricos y estudia técnicas continuamente. Su material preferido es el óleo, pero también se adentra en el mundo de los acrílicos, acuarelas y pasteles. La temática que elige es principalmente el paisaje, si bien se decanta de vez en cuando por naturalezas muertas y costumbristas
   La obra de García Sevilla es eminentemente realista; no obstante su búsqueda constante del efecto que la luz ejerce sobre la Naturaleza, el excelente dibujo, las cuidadas y originales composiciones convierten su trabajo en obra maestra. Los horizontes aparecen perfectamente enfocados, mientras que los planos más cercanos se muestran más difuminados. Este toque impresionista obliga a la retina del espectador a recomponer la visión de lo que tiene delante y el impacto de color que recibe es mucho más fuerte. En su paleta nunca falta el azul cobalto claro.

SAN BAUDELIO DE BERLANGA. Berlanga del Duero, Soria. Siglo X. IGLESIA MOZÁRABE

   Se trata de una iglesia mozárabe del siglo X. Quizás se pueda considerar el ejemplar más mahometano de la arquitectura mozárabe, en la cual no se suele encontrar uniformidad o tipos repetitivos. Pero con todo, San Baudelio es una edificación muy insólita entre las mozárabes del s X.
Su planta es cuadrada; pero lo que realmente llama la atención es la cubierta, soportada por una sola pilastra cilíndrica que se abre en forma de inmensa palmera, irradiando los nervios que sostienen el techo del edificio y que se sostienen sobre ménsulas.
En un ábside central se abre una ventana de herradura, por donde entra la luz que ilumina el altar mayor. Enfrente, una tribuna abre sus arcos de herradura formando un coro semejante a una mezquita de 5 naves. Una linterna extraña se abre en lo alto de la bóveda, entre los nervios de la gran palmera, cerrada por una cupulilla cuyo destino se ignora.
La totalidad de la iglesia estuvo cubierta con pinturas murales figuradas, probablemente desde el siglo XII.
Los frescos románicos se cree que fueron realizados por artistas locales, pero tampoco es algo que se pueda asegurar.
Se la ha llegado a denominar "la capilla Sixtina del arte mozárabe"

FRANCESCO MANGIALARDI. Mileto, Italia

    A pesar del reconocimiento que recibe este artista y de que su obra puede contemplarse en numerosas colecciones tanto públicas como privadas, la información que he recabado en Internet para realizar un semblante de su biografía es prácticamente inexistente. Aparece un curriculum en distintos enlaces, pero resulta un tanto frío. Por eso he preferido no incluirlo en esta entrada. No obstante si se pueden encontrar en la red muchas imágenes de sus pinturas.
    Con un pulcro dibujo de fondo, Mangialardi recrea esa Italia antigua, evocadora, de callejuelas empedradas y edificios añejos. Tiene una predilección especial por mostrar detalladamente puertas y ventanas. El gris de la piedra pierde su anodino tono con el colorido de flores, tejas, farolas, madera…Inundando todas las pinturas, la inconfundible luz mediterránea, luminosa y combinada de manera muy efectista con sombras.

LITA CABELLUT. 1961. Sariñena (Huesca)

 Para comprender mejor el trabajo de Lita Cabellut no está de más bucear un poco en su biografía. Un pasado con el que la artista dice haberse reconciliado y que sale a borbotones por toda su obra. Su primera infancia fue verdaderamente difícil. Nada hacía presagiar que acabaría apareciendo en la lista de los 500 artistas contemporáneos más cotizados del mundo, con el añadido de que es la única mujer española que figura en esta relación.
   Lita es de etnia gitana por rama materna. No conoció a su padre. Su madre, dedicada a la prostitución, la abandonó siendo tan solo un bebé con la abuela, que vivía en Barcelona. La niña vagabundeo y mendigó por las calles de la Ciudad Condal hasta que la anciana murió cuando la pequeña contaba 8 años. Internada en un orfanato, el destino le repara una oportunidad nada usual en los niños de cierta edad ingresados en estas instituciones: a los 13 años es adoptada por una pareja adinerada. A partir de ahí comienza a afluir el genio que llevaba dentro…
   Cabellut es ante todo retratista del alma humana. Sus figuras desprenden la tristeza que todos lo seres humanos llevamos dentro y que nos iguala tanto como la muerte. No importa que pinte a elegantes señoras, personajes famosos, prostitutas, viejos, niños, proxenetas…en todos refleja la esencia más profunda del ser humano, a veces de una manera brutal. Las grietas que se pueden apreciar en muchos de sus retratos parecen dar un plus de sufrimiento al representado; aunque Lita insiste en que no busca plasmar imágenes especialmente terribles, ya que combina ternura y belleza con las penas de la vida.
   De fondo sus figuras son de una delicada belleza que la artista rompe con brochazos violentos de raíz expresionista para plasmar los violentos avatares vitales que van dejando huella en la esencia de las personas.
   Como nadie es profeta en su tierra, el reconocimiento del que goza en el extranjero no es extrapolable a su país de origen. En España no es una artista reconocida por el gran público. Hay que reconocer que entre nuestros defectos está no darnos cuenta de la cantidad de talentos españoles que circulan por el mundo.

JACEK YERKA. Polonia, 1952. Surrealismo

 Yerka se graduó en la Facultad de Bellas Artes de su ciudad, Torun y se especializó en el grabado. A pesar de las recomendaciones en sentido contrario de sus maestros, Jacek se decantó por el Surrealismo (movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del Dadaísmo- movimiento nacido en 1916, basado en lo absurdo, lo irracional y lo espontáneo-).
   Yerka ha sido llamado El Bosco del siglo XXI, también “el pintor de los sueños”. Lo cierto es que combina lo cotidiano y lo fantástico con una naturalidad y un gusto tremendos.
Aunque en su obra predomina el optimismo, los paisajes urbanos aparecen fríos y duros, como si el hombre que vive en ellos estuviese inmerso en un habitat hostil. Todo lo contrario sucede con los paisajes de naturaleza, que asemejan a un maravilloso sueño infantil. Lo que es común a todas las temáticas es la imaginación desbordante de Jacek.

ACRÓPOLIS DE ATENAS siglo V AC

   Las acrópolis tenían para los griegos un carácter defensivo, permitiendo refugiar a la población en un caso extremo. Esta faceta queda enmascarada hoy en día al fijarnos simplemente en los maravillosos espacios religiosos y palaciales ubicados en ellas, cuya construcción era facilitada por la situación en promontorios.
    La Acrópolis de Atenas, aunque ocupada anteriormente y luego destruida por los persas, será durante el siglo V cuando se erijan los más emblemáticos edificios sobre una topografía compleja, con pendientes y acantilados que serán armoniosamente integrados en el conjunto. Pericles fue el gran artífice; Fidias, Ictinos y Calícrates, los encargados de llevar a la realidad el proyecto del gobernante.

Entre los edificios más importantes destacan:

El Partenón: diseñado con estilo dórico y dedicado a la diosa Atenea. Perfecta conjunción de proporciones gracias al empleo de novedosos refinamientos ópticos, como la curvatura de todos los elementos horizontales.

Los Propíleos: entrada monumental al recinto de la Acrópolis, acorde con la grandeza del Partenón.

Templo de Atenea Niké: templo jónico conmemorativo de la victoria de los atenienses sobre los persas.

El Erecteion: templo jónico erigido tras la muerte de Pericles y construido por Mnesiklés. Realizado a diferentes niveles por la compleja topografía del terreno. Destaca su pórtico de las Cariátides.

 Las esculturas en relieve y las impresionantes columnas nos dan una idea de lo que pudo ser aquel reducto de la civilización griega.