ALFONS MUCHA (1860-1930). Modernismo

   Pintor y artista decorativo checo, ampliamente reconocido por ser uno de los máximos exponentes del Art Nouveau.
   Su salto a la fama llegó con su primer cartel litográfico para la actriz Sarah Bernhardt y su Téâtre de la Renaissance, donde se anunciaba la obra “Gismonda”. Durante unos años se encargó de sus escenografías y vestuarios, desplegando un estilo exuberante y estilizado.
   Mucha produjo gran cantidad de pinturas, posters, ilustraciones, diseños de joyas (por ejemplo, para el joyero parisino Georges Fouquet), alfombras, empapelados y decorados teatrales. Todo un elenco de soportes y ambientes que conformaban el estilo que se conocía como Art Nouveau. En sus trabajos solía introducir la figura de mujeres jóvenes y bellas, ataviadas con vestimentas clásicas y rodeadas de flores.
Su forma de trabajar fue tan imitada, que Mucha intentó distanciarse de un estilo que a fuerza de ser repetido, perdía personalidad.
Cuando Checoslovaquia obtuvo su independencia tras la 1ª Guerra Mundial emprendió lo que sería su obra maestra, un monumental ciclo de 20 lienzos dedicados a la historia de los checos y otros pueblos eslavos: “La épica eslava”.

                                                                        Gismonda

                                                                          La épica eslava

La épica eslava

HU JUN DI. 1962, Jilli (China)

   La obra de Hu Jun Di desprende toda la delicadeza y poesía que caracterizan la tradicional pintura china. No hay estridencias, la pincelada es fina, la luz suave y los colores muy armónicos. Capta momentos precisos, rasgo típico del arte milenario de este país. En este sentido podemos ver ciertas similitudes con los impresionistas; pero mientras que para estos lo importante era reflejar el momento fugaz que deja una impronta difusa en la retina, Hu Jun Di da una vuelta de tuerca plasmando el instante nítido utilizando óleo, más propio de la pintura occidental . Esta fusión dota a su obra de una dificultad añadida que el artista resuelve con una gran maestría.
La mayoría de sus personajes son femeninos, de una belleza pura. Esas figuras etéreas salen de su mente, ya que el pintor no utiliza modelos.

VICENTE ROMERO REDONDO. Madrid,1956

 Formado en la Real Academia de las Artes de San Fernando en Madrid, sus primeros años estuvieron dedicados a la escultura hasta que optó por el género pictórico que le permitía transmitir mejor su sensibilidad como artista.
   Alternó épocas de óleo y pastel, realizando obras de una delicadeza exquisita, donde la figura femenina es la protagonista principal, siempre resaltada por la cálida luz mediterránea (destacable su forma de captarla en escenas de interior) y envuelta en por finas vestimentas que se deslizan suavemente por su anatomía. La sutileza de estos paños está magistralmente conseguida, en especial cuando se trata de telas blancas, a cuyos pliegues Romero saca todo un arsenal de matices.

LOS JARDÍNES PERDIDOS DE HELIGAN, Cornualles (Inglaterra)

  La cultura de jardinería inglesa es sobradamente conocida por todo el mundo. La concepción de estos espacios es aparentemente muy natural, con sus caminos tortuosos, vegetación exuberante y piezas arquitectónicas o simples piedras que parecen haber nacido en el lugar donde fueron colocadas. Nada más lejos de la improvisación. El jardín inglés está diseñado para un paseo poético donde el caminante va descubriendo a cada paso lo que el diseñador ha ideado para imitar una naturaleza agreste.
   Uno de los jardines más conocidos de Inglaterra son “Los jardines perdidos de Heligan” en Cornualles. Heligan fue residencia de la familia Tremayne que la mantuvieron del siglo XVIII a principios del siglo XX; pero cuando llegó la 1ª Guerra Mundial la finca fue abandonada y rápidamente la Naturaleza recuperó el espacio que originalmente era suyo. Afortunadamente, un ambicioso programa de restauración de jardines le devolvió el esplendor de antaño con creces. 80 hectáreas se convirtieron en un escenario de cuento de hadas: esculturas que cobran vida con la vegetación que las recubre de manera muy estudiada, caminos ocultos…toda una explosión de verdes para los sentidos del visitante.
   El estilo empleado se denomina gardenesque. Este diseño se caracteriza por una unión formal laxa de los elementos que componen el jardín; pero estos aparecen aislados en sí mismos: árboles y arbustos delimitados, estatuas y resto de ornamentación colocados para influir per se en la retina del caminante.

UMBERTO BOCCIONI (1882-1916), Italia

   Fue uno de los máximos representantes del movimiento futurista, una de cuyas características era el interés por todo lo referente a la sociedad industrial moderna, la ciudad y todo lo que oliera a modernidad. Sin embargo, estas tres pinturas tienen un carácter muy intimista, aunque poseen el dinamismo plástico que se puede apreciar en otras obras de tintes más modernos que creó Boccioni.

TAMARA DE LEMPICKA. ¿Varsovia (Polonia) 1898?- Cuernavaca (México) 1980

 Tamara de Lempicka es una de esas figuras que representan a la perfección la percepción que tenemos de lo que fueron los locos años 20. Elegante, anticomunista, depresiva, desinhibida, juerguista…todos los adjetivos que se le pudieran poner a una prototípica dama moderna recalada en Estados Unidos desde la añeja Europa del Este. Sus excesos sexuales y abusos de sustancias de todo tipo fueron innegables, ya que hacia alarde de ellos; sin embargo, su vida sofisticada era producto de una fabulación a la que se entregó hasta la vejez. Recreó, cara a la galería, a un personaje elitista, que se refleja en los personajes retratados en sus obras: figuras elegantes, distantes, nunca simples gentes del pueblo llano.
   Se especializó en retratos femeninos y desnudos de ambos sexos, siguiendo la pintura Art Decó, de moda entonces: mujeres etéreas, con ropajes vaporosos y volúmenes alargados, pero con un toque escultural y marcado en las líneas, como si un halo cubista pasara sobre los pinceles de la artista. Gran admiradora de los maestros renacentistas y manieriestas, intenta fusionar estos estilos con el suyo propio a través de temas actuales y personajes con vestimentas y peinados de su época, consiguiendo de esta manera, crear imágenes muy modernas.
   Su obra entraría enseguida en decadencia por considerarse una pintura meramente decorativa. Este es el lastre del Art Decó, la muerte por un exceso de moda y repetición. Muchos no perdonan “el arte por el arte”.

                     Joven con guantes (1930)

                    Polish girl (1933)

                              Portrait of Mrs M (1932) 

SAN MARTÍN DE FUENTIDUEÑA- provincia de Segovia

Alguien dijo que en España había un Patrimonio tan inmenso que los españoles llevábamos siglos intentando acabar con él y aún no lo habíamos conseguido. Esto es una muestra. Imágenes de lo que se llevaron y lo que quedó.

De Fuentidueña (Segovia) viajó el ábside de la iglesia de San Martín a Estados Unidos. Ahora está en el Museo Metropolitano de Nueva York (sección Museo de los claustros) sirviendo para albergar conciertos de música medieval.

"Pese a haber sido declarado Monumento Nacional en 1931 se aprobó la cesión de su ábside románico y su traslado al museo neoyorkino.
Piedra a piedra fue desmontado y empaquetado. 248 toneladas guardadas en cajas y llevadas desde el puerto de Bilbao a Nueva York.
En la isla de Manhattan, en una colina con vistas al río Hudson, fue montado de nuevo junto con partes de otras abadías medievales francesas. Un extraño híbrido, donde además se guardan unas 5000 obras de arte europeo de época medieval.
No fue el único saqueo del patrimonio español, cuyo mayor artífice fue William Randolph Hearst, que inspiró a Orson Welles para su película "Ciudadano Kane". Cuando Hearst buscaba una noticia, llamaba a su fotógrafo y después se inventaba una guerra. Cuando quería llevarse a casa una iglesia, el trabajo era más sencillo, solo necesitaba llamar a su factótum, Arthur Byne, el ladrón de guante blanco que más expolió España.
Byne vivió durante 20 años en este país y desmembró docenas de iglesias, palacios y conventos, que trasladó a EEUU para que Hearst decorase con los despojos sus delirantes mansiones de Florida y California.
Siglos y siglos de historia embalados en cajas para ser exhibidos lejos de su contexto original". ( http://elzomeridianos.blogspot.com.es )

El Románico es un estilo artístico desarrollado en Europa en el periodo comprendido entre los siglos XI y XIII, en los que se emplea de forma exclusiva en el arte religioso. Se introdujo en España gracias al camino de Santiago.

El ábside desmontado piedra a piedra a mediados del siglo XX

El ábside que se puede contemplar en Estados Unidos

Los restos que podemos contemplar en España